La selecció exposada recull quasi setanta imatges d’estampes d’artistes plàstics nacionals i internacionals de la rellevància d’Equip Crònica, Tàpies, Chillida,Saura, Arroyo o Litchenstein, datades, majoritàriament, entre 1960 i 1980. Com que originàriament és una col·lecció privada, no ofereix una visió completa de la producció gràfica del moment però, pel gran nombre d’obres, sí que constitueix una aproximació adequada a l’ambient artístic espanyol i internacional d’aquesta època, fet que la converteix en una exposició molt atractiva.

Els dos paràmetres que defineixen la col·lecció donada a la Universitat de València per Jesús Martínez Guerricabeitia són el contingut crític i el llenguatge figuratiu. Això no obstant, l’obra gràfica és més heterogènia que el conjunt pictòric i representa, amb més de 300 peces, una part molt rellevant de tota la col·lecció. Per a aquesta exposició s’han escollit un conjunt d’estampes que mostren la pluralitat estilística que compon la col·lecció Martínez Guerricabeitia. La major part de les obres, però, naveguen des del realisme social fins al realisme crític i la figuració narrativa. L’exposició, que recull 68 obres, s’articula en quatre seccions segons la tendència creativa: La generació d’artistes abstractes, El realisme expressiu d’Estampa Popular, Crònica de la realitat i L’obra gràfica internacional dels anys setanta.

La generació d’artistes abstractes reuneix les obres de pintors i escultors de talla internacional, entre els quals hi ha Tapies, Saura, Clavé o Chillida, que es van donar a conèixer en l’època dels 50 per l’abstracció informalista. L’informalisme va ser una tendència fonamental en el panorama artístic espanyol durant els anys 50, ja que va suposar la via d’enllaç amb el context internacional. La secció El realisme expressiu d’Estampa Popular permet acostar-se al desenvolupament de l’art gràfic produït al començament de la dècada dels 60. El grup d’Estampa Popular englobava diverses agrupacions d’artistes disperses per tot l’estat. La base ideològica era crear un art accessible per a tothom. Per aconseguir-ho van adoptar la figuració expressionista que enllaçava amb la tradició artística espanyola i van tractar temàtiques quotidianes. En l’apartat Crònica de la realitat se recullen les obres de la tendència artística nascuda a meitat de la dècada dels 60. La base ideològica era semblant a la d’Estampa Popular, a la qual molts d’ells van pertànyer, però a diferència d’aquests van adoptar un llenguatge que bandejava la subjectivitat pròpia de l’informalisme i de l’expressionisme. Per això, recollien els codis visuals dels mitjans de comunicació. Mitjançant la juxtaposició d’imatges extretes de l’univers visual contemporani i de la història de l’art, cercaven produir l’estranyament en l’espectador i despertar un procés de qüestionament crític. En aquest apartat, el públic pot contemplar les obres de l’Equip Crònica, l’Equip Realitat o Genovés. Aquests tres exponents són els més significatius d’aquesta tendència que es poden trobar en l’exposició.

L’última de les seccions, l’obra gràfica internacional dels anys setanta, fa un repàs pel variat panorama internacional. Aquest últim grup de l’exposició és representatiu de l’obra d’artistes internacionals que posseeix la col·lecció. Molts d’ells, com Monory o Adami, van pertànyer a la tendència anomenada nouvelle realisme, que es va desenvolupar al llarg dels anys 60 a Europa. Aquests artistes pretenien analitzar quin era l’ideari que es transmetia mitjançant els objectes i imatges de la vida quotidiana i, tot i que aquest apartat està dedicat als artistes internacionals de la col·lecció, també reuneix artistes espanyols, com Arroyo, que van estar vinculats més o menys intensament a aquestes tendències internacionals.

José Ortega, Virtud y vicio, 1971-72, Aguafuerte a relieve.

El taller comienza su andadura  en septiembre del 2010, organizado por un grupo de voluntarios del Centro de Día el Faro del Comité Ciudadano Anti-Sida. Han sido varias las adaptaciones realizadas, pero en esta ocasión el grupo se lanza a un trabajo más complejo y de mayor envergadura.

La obra comenzará a las 17:15, en el Centre Octubre, y la entrada es gratuita.

Will McCarthy (Londres), cantante, guitarrista y compositor original, lleva 20 años tocando en directo en paises como Gran Bretaña, Irlanda, República Checa, Italia y España.  Ha grabado bandas sonoras y varios discos eclécticos recomendados por Mondo sonoro. En enero 2011 tocó en el legendario y prestigioso ’12 bar Club’ en Soho, Londres.

Abdel Louzari (Marruecos) Abdel es un multi-instrumentalista-cantante, darbukista y violinista y mas.  Ha tocado en festivales en Italia y España , grabó viloin en la  banda sonora por la pelicula  ”Torres de Babel” de Yovana y la pelicula  ”Mi vida en ruinas”. Ha tocado en  varios programas de televisión. Otros grupos como Mawali le dieron la oportunidad de compartir escenario con Chambao  en el “Palau de la música de Altea”.

Nuno Alves (Portugal), original trompetista de la Comunidad Valenciana, ha tocado con Chambao en Amsterdam y como telenero de George Clinton y Parliament en Génova, Italia ademas de festivales en Sevilla y Lisboa, Portugal. Ha grabado  discos con multitud de artistas, incluyendo la banda sonora de la pelicula  ’Bestezuelas’  que abre en La Mostra 2010.

Folk-Jazz-Arabe ha tocado en Feria de Naciones 2010 Valencia, Black Note Club  en Valencia  y Cafe Mercedes Jazz en Valencia.

El títol de la mostra, tal i com explica el seu autor respon a “allò que volem demostrar ja que hi ha molt desconeixement social respecte a la figura del dissenyador. Els dissenys no es fan a soles, cal conjugar racionalitat i creativitat, perquè el dissenyador, a diferència de l’artista, sempre ha d’encertar a la diana amb el llenguatge gràfic”.

I es que, per a ell, el més important es que encara que l’ordinador és el que processa, “hem de tenir clar que no raona i si alguna facultat és essencial en un procés de disseny és aquesta, precisament la de raonar”, explica. L’exposició té -per tant- una voluntat didàctica i pretén contribuir a aportar un granet de sorra perquè la societat comprenga les particularitats d’aquesta disciplina.

Cal destacar que l’estudi de Pepe Gimeno ha rebut una vintena de guardons en l’última dècada i més de la meitat de caràcter internacional. El més prestigiós el 2001, quan l’estudi de Pepe Gimeno va aconseguir el premi a l’Excel·lència en Disseny Tipogràfic de la TDC (Type Directors Club) de Nova York per la creació de la tipografia FF Pepe, que és l’equivalent en aquest camp a un Oscar en cinematografia.

A l’exposició es poden contemplar alguns dels dissenys i els processos per arribar-hi l’estudi de Pepe Gimeno que han estat guardonats amb aquests premis. Per exemple es pot contemplar la imatge de la presidència espanyola de la Unió Europea en 2002 que va dissenyar l’estudi de Pepe Gimeno. A més, també es podrà veure com s’han modernitzat algunes marques. És el cas de la marca de bany Roca o com va convertir un gravat del segle XV de les Corts Valencianes en una marca contemporània, funcional, clara i potent capaç de transmetre, a través d’una imatge, els valors de la nova institució.

Finalment, el públic pot acostar-se a través d’aquesta mostra a altres exemples que permeten entendre o enquadrar el disseny en una activitat que racionalitza processos per obtenir resultats òptims tenint en compte la creativitat per obtenir així el millor producte. Està present entre els dissenys de l’exposició una marca d’arròs valenciana que volia comercialitzar-se a través d’establiments gourmet i, per això, necessitava una nova imatge i envàs perquè el tradicional sac d’arpillera tenia dificultats atès que la seua manipulació resultava excessivament cara.

La sala Carme Teatre y El Dorado promueven el festival junto al Aula de Poesia de la Universitat de València, el MuVIM, la librería Dadá, la Biblioteca Pública de Valencia, el Mercado Central, el Centro de Artesanía de la Comunidad Valenciana, el departamento de dibujo de la Universidad Politécnica de Valencia y otros festivales poéticos españoles como el Nosomostanraros, Vibratto de Elx o el Ex!Poesía de Euskadi.

Vociferio tomará el Mercado Central, los transportes públicos, las calles del centro, la explanada del Parque de la Cultura, la Biblioteca y, por supuesto, la sala Carme y El Dorado. Además se realizarán recitales escénicos y urbanos, habrá charlas, música, exposiciones y una Feria de Ediciones Alternativas.

El germen del Festival hay que buscarlo en la efervescencia poética que vive la ciudad de Valencia como expresión libre de la voz de los poetas y la ‘toma’ de espacios públicos y privados, más allá de las páginas de los libros, para recuperar la oralidad del poeta y su  relación con otras artes, escénicas, musicales, electrónicas, tecnológicas, etc,…

El Dorado y Carme Teatre han colaborado para impulsar la poesía escénica. Gracias a esta labor, se han conocido en Valencia los proyectos de artistas andaluces, catalanes, valencianos, latinoamericanos y madrileños. Casi veinte espectáculos poéticos de calidad que han propiciado la consolidación de la poesía como alternativa a la programación teatral y cultural de espacios.

El festival pretende recuperar la oralidad del poeta y su relación con las artes escénicas.

]]> http://www.elmetropolita.com/la-poesia-recupera-un-lugar-preferente-gracias-al-festival-vociferio/feed/ 0 http://www.elmetropolita.com/mas-de-10-000-personas-ya-han-visitado-el-museu-de-prehistoria-para-conocer-a-otzi-el-hombre-del-hielo/ http://www.elmetropolita.com/mas-de-10-000-personas-ya-han-visitado-el-museu-de-prehistoria-para-conocer-a-otzi-el-hombre-del-hielo/#comments Mon, 13 Jun 2011 18:46:15 +0000 El Metropolità http://www.elmetropolita.com/?p=3731 Miles de ciudadanos acuden el Museu de Prehistòria de la Diputación de Valencia a conocer a Ötzi, “el hombre del hielo”. Concretamente, un total de 10.223 personas han visitado la exposición desde su inauguración el pasado 28 de marzo hasta el 31 de mayo.

En Ötzi. “El hombre del hielo”, el Museu de Prehistòria de València muestra, hasta el próximo 24 de julio, el rostro actualizado de Ötzi, la momia más antigua del mundo. La muestra está organizada por el Museo Arqueológico del Tirol del Sur (Bolzano, Italia) y cuenta con el patrocinio de Caja Mediterráneo. El nuevo rostro de Ötzi ha sido reconstruido por los hermanos Alfonso y Adrie Kennis, artistas holandeses especializados en historia natural y paleontología, que también han dado forma a los homínidos de la Sierra de Atapuerca.

La muestra retrotrae al visitante a la Edad de Cobre y revela secretos de la vida humana en esta época a través de una réplica de la momia de Ötzi, conservada de forma natural en un glaciar del Valle de Ötz durante más de 5.000 años, hasta su descubrimiento, en 1991, de manera casual, por un matrimonio de excursionistas alemanes. Desde 1998 se conserva en una cámara frigorífica a -6º y con una humedad del 98%, donde puede ser visto con todo su equipamiento.

Con esta iniciativa, concebida como muestra itinerante, el Museo Arqueológico del Tirol del Sur (Bolzano, Italia) ofrece una aproximación rigurosa al tema del hombre del hielo. La exposición presenta numerosas reproducciones de objetos e indumentaria que fueron hallados junto a la momia, así como nuevas interpretaciones derivadas del descubrimiento de una punta de flecha en su hombro izquierdo. El objetivo de la muestra es aportar luz y conocer mejor el modo de vida de Ötzi, evitando las fabulaciones románticas que a menudo se hacen sobre tiempos pasados.

Über uns das Al/Above Us Only Sky es el largo con el que el alemán Jan Schomburg (1976) desembarca en Cinema Jove después de haber concurrido en la sección Panorama Special de la Berlinale el pasado febrero y haberse alzado con el Europa Cinemas Label a la mejor película europea. La cinta, que será estrenada en la inauguración del Festival, narra el encuentro entre una joven viuda desorientada, encarnada por Sandra Hüller, galardonada con el Premio a la mejor interpretación en Berlín y Sitges por Réquiem (Hans-Christian Schmid, 2006), y un profesor universitario, al que da vida Geprg Friedrich, conocido por su trabajos en La pianista (Michael Haneke, 2001) o Import/Export (Ulrich Seidl, 2009), que le recuerda a su difunto marido.

Merecedora de La Luna de Valencia de Cinema Jove en 2006 por su corto A bras le corps, la jovencísima cineasta Katell Quillévéré (1980) regresa al Festival para estrenar su primera película, Un posison violent. Un retrato generacional sobre el despertar sexual, la inexorabilidad de la existencia y la pérdida de la fe, que Quillévéré plasma en la vida de una adolescente repleta de incertidumbres que trata de aferrarse a la vida después del abandono de su padre. La directora ha dirigido también dos cortos, L’Imprudence y L’Echappé, que han sido seleccionados para un buen número de festivales.

Presenta también su primer largometraje en la sección oficial, el norteamericano Braden King (1971). Su película, Here estrenada este año en el Festival Sundance, configura un dramático film que narra el nexo amoroso surgido entre un cartógrafo de mapas por satélite y una fotógrafa que emprenden juntos un viaje por Armenia. Desde Polonia, Marek Lechki (1975), una de las voces emergentres más originales del cine polaco, recala este junio en Cinema Jove con su ópera prima Erratum. Un trabajo distinguido por la Association of Foreign Organizers of Polish Film Festivals y el Premio de la Prensa 2010 en el Festival de Cine Polaco, que presenta la travesía emocional de un respetado padre de familia que regresa a su pueblo natal y se topa de golpe con su pasado. La crisis actual de los valores y las no siempre fáciles relaciones entre padres e hijos envuelven esta historia de catarsis existencial.

Afincada en Alemania, la joven directora suiza Christine Repond (1981) aborda en su debut cinematográfico, Silberwald/Silver Forest, el fenómeno de la inmigración y los brotes xenófobos acaecidos en los últimos años en Suiza. Una cinta que nos sumerge en el mundo de los skinsheads a través de la escalofriante experiencia de un adolescente que se integra en un grupo de cabezas rapadas en la búsqueda por definir su identidad. Repond es autor de cortos como Punch Me, Toilets o Mit oder ohne.

Filmada clandestinamente en Teherán justo antes de las elecciones de 2009, Aragh Sagee/Dog Sweat es el primer largo de ficción del cineasta iraní Hossein Keshavarz (1977). Un retrato sobre la juventud persa actual y la falta de libertades, cuyos jóvenes protagonistas tratan de buscar una vía de escape para poder burlar la censura imperante. La película ha sido reconocida en diversos festivales de cine de Roma y Austin y nominada a los Independent Spirit Award. Keshavarz ha trabajado como productor en Circumstance, que se alzó con el Premio del público en el Festival de Sundance este año.

Junto a las seis óperas primas, aspiran también a la Luna de Valencia dos cintas que nos trasladan a la estepa siberiana y a los paisajes de la antigua Yugoslavia con dos historias que se centran en las realidades sociales. Resultado de diez años de trabajo es Siberia. Monamour (2011), el segundo largo de Slava Ross (1966), una poderosa historia de la vida y la muerte en los márgenes de la sociedad rusa que transcurre en una aldea abandonada de Siberia. El talento del cineasta se dio a conocer en Meat, corto que atesora una treintena de premios y que ha sido incluido por el Centro de relaciones de escuelas de cine y televisión de la UNESCO en el programa internacional para el estudio del cine como herramienta escolar. Y con una experiencia de dos películas en su haber, Pedrag Velinovic (Serbia, 1966) concurre a la vigésima sexta edición de Cinema Jove con su tercer largometraje, Motel Nana. Un viaje melancólico por la vida cotidiana de la posguerra de Bosnia y sus dramas sociales emprendido por un joven maestro de Belgrado y una joven musulmana.

El talento más libre

La Sección Oficial de Cortos de este año acoge 57 trabajos del panorama nacional e internacional que sobresalen por la variedad de géneros en los que se inscriben: thriller, comedia, ciencia ficción, cine experimental, animación y hasta el género musical. De nuestra geografía destaca la figura de la actriz Natalia Mateo (1975), nominada a un Goya por El patio de mi cárcel (Belén Macías, 2008), que presenta en Cinema Jove su faceta como directora con su segundo cortometraje, Qué divertido. Sugerente resulta también el corto de Aitor Echeverría (1977), Morir cada día, presentado el año pasado en la Seminici, y el de Victor Carrey, La huida, ganador del premio del Festival Internacional de cortos de Bucarest.

De fuera de nuestras fronteras llegan cintas de gran calado internacional como Na Wewe (Bélgica), de Ivan Goldsch (1958), nominada al Oscar al mejor cortometraje y ambientada en Burundi durante las masacres de 1994 entre hutus y tutsis. Destacan también por sus distinciones el corto rumano Coiva/The cage, con el que Adrian Sitaru (1971) logró el Premio Vila do Conde; la cinta Apele Tac (Alemania-Rumanía), de Anca Miruna (1979), estrenada este año en la Berlinae; y Tremblay en France (Francia), de Vincent Vizioz (1975), premiada en el Festival de Cortometraje de Clermont-Ferrand.

Los dibujos de Mariscal, protagonistas en las exposiciones del Festival.

Jack Lover es el pseudónimo de Jacobo Amador. O Jacobo Amador es el alter ego de Jack. Quién sabe. En cualquier caso, este joven de aspecto desaliñado y hablar nervioso, tatuado y con el pelo largo, nos ha concedido una entrevista para contarnos con detalle los aspectos más escabrosos de su vida y obra. Para que luego digan que esta ciudad no se mueve.

¿De dónde procede el macarrismo de tu obra?

Yo creo que desde que mi padre me enseñó lo que era un monopatín y lo “agro” que pude llegar a ser, me salen cosas y me suceden cosas que no cambiaría por nada. Aparte que hay gente que piensa que por ir montado en un monopatín ya eres un delincuente y eso ha sacado mi lado más oscuro y cabrón.

¿De qué estilos o autores bebe Jack Lover?

La verdad esque sigo un estilo bastante americano,  Keaton Henson, Travis Millard, Alex Pardee y Michael Shantz son mis referentes.

¿Es difícil en este contexto, tanto geográfico como económico hacerse un hueco? ¿Cuáles son tus aspiraciones?

Es dificilísimo, es tener constancia y moverse lo mejor posible aprovechando las redes sociales y los contactos. Mis aspiraciones creo que son no parar de crear cosas que me hagan sentirme vivo, y que mi marca de skate salga adelante internacionalmente.

¿Como surgió el interés por el diseño?

Pues mi madre creo que es una de las culpables, ya que siempre a hecho lo posible por que en mi mesa tenga buenos lápices desde pequeñito. Ella es diseñadora industrial y poco a poco, a medida que iba evolucionando, me iba guiando por el camino correcto.

¿Qué salidas tiene alguien como tú en un mundo como este?

Mi cabeza trata de pensar que soy un chico polifacético y que si no es de una cosa, será de otra, pero salidas hay muchas si eres una cabeza “creante” y con ganas de dejar huella en este asqueroso planeta que tanto quiero.

¿En qué trabajas en la actualidad?

Estoy ahora retomando Link Skateboards, tratando con serigrafía, lo más macarra posible; también buscando grupos para empezar a programar conciertos con Levulture y grabando el primer ep con el grupo.

¿Tus ilustraciones son una distorsión malévola de la realidad, o es que endulzamos habitualmente la realidad y la vemos mejor de lo que es?

Mis ilustraciones son la realidad vista por un tipo perverso, intento buscarle el segundo ojo al cíclope, pero básicamente me gusta pensar que el mundo da asco y quiero mostrarlo de una manera graciosa.

Escoge entre estos dos adjetivos: Cínico – Crítico.

Cínico, cínico.

¿Qué buscas del público de tu trabajo? ¿Qué reacciones?

Busco la evolución, no quedarme atrás con nada, y que ellos evolucionen tanto como lo hago yo. Intento que la gente reaccione de una manera graciosa pero a la vez seria.

¿Las encuentras a menudo?

Sí, últimamente estoy recibiendo muchas críticas buenas ¡y eso me hace que cada día quiera más y más!

Para terminar, si no fueses Jack Lover, ¿quién serías?

Pues supongo que un kinki creyéndome el superman del barrio.

Más información sobre Jack Lover aquí.

Con un aforo para 1.000 personas y con una pantalla gigante, los espectadores podrán disfrutar sentados cómodamente en hamacas, al aire libre y junto al mar, de las últimas novedades de la cartelera, a unos precios que oscilarán entre los 8 euros de la entrada estándar, a los 10, 50 del ticket para la zona vip. El recinto contará con barras con servicio de bebida y comida. Los pases diarios serán a las 22h. Además, de jueves a sábado habrán dos pases diferentes; a las 22h. y a las 00h. Las entradas se podrán comprar de forma anticipada en la página www.kinepolis.com .

El proyecto, busca “mejorar el concepto del cine tradicional, haciendo hincapié en el concepto lounge“, en palabras de Lorenzo Pérez, gerente de la promotora Mundosenti2, que se encargó también de espectáculos como Cavalia o el concierto de Shakira. Kinépolis Marina Real proyectará sus películas en HD, algo que junto al aforo para 1.000 personas, capacidad presente sólo en una sala en Madrid, “harán de la experiencia algo único”, según Óscar Nacher, manager de Kinépolis Paterna.

Recreaciones del Kinépolis Marina Real